Jaké typy moderny existují?
Významným fenoménem se stala secese ve světové kultuře na přelomu 1880. a 1910. století, spojující po dlouhé přestávce všechny druhy výtvarného umění a architektury. Badatelé ruské kultury nacházejí první známky vzniku tohoto stylu v Rusku v XNUMX. letech XNUMX. století a jeho poslední projevy v XNUMX. letech XNUMX. století. Během těchto tří nebo čtyř dekád se moderna formovala a vyvíjela a poté skončila svou nepříliš dlouhou cestu v různých zemích Evropy a Ameriky. Pravda, v Rusku nebyla linie vývoje stylu tak konzistentní jako ve Francii, Anglii, Německu, Holandsku, Belgii nebo Španělsku. V jeho pohybu na ruské půdě docházelo k poměrně rozhodným posunům, které se střídaly s nečekanými zastávkami a určováním času. Ale i přes tuto diskontinuitu evoluce získala modernita svůj výraz – v mnoha případech jasný a originální.
Ne všechny druhy umění byly v této situaci ve stejných podmínkách. Architektura, užité umění, knižní grafika a umění divadelní dekorace poměrně aktivně reagovaly na volání moderny. Malířství se ocitlo v obtížnější situaci: různé styly, které existovaly současně, nejen koexistovaly, ale také se vzájemně mísily. Připomeňme, že ve stejném prostoru koexistoval realismus Peredvizhniki, který značně oslabil svou pozici, a impresionismus, symbolismus a modernismus, zrodil se expresionismus, fauvismus, futurismus a kubismus. Mnoho umělců kombinovalo nesourodé trendy.
K.S. Malevič. Náčrt freskové malby (Autoportrét). 1907. Karton, tempera. 69,3×70. rozvodový řemen
V nejživější podobě se kvality secese projevily v malbě (včetně monumentální a dekorativní) a grafice M.A.Vrubela. A umělcovy pozdější grafické experimenty ztělesňovaly nejdůležitější rysy expresionismu, které zůstaly soudobou kritikou téměř nepovšimnuty. V.A. Serov, který jedinečně využíval úspěchy impresionismu v prvních letech, později impresionistický styl téměř opustil v mnoha pozdějších dílech – jako „Znásilnění Evropy“ (1910. Soukromá sbírka, Treťjakovská galerie, Státní ruské muzeum), „Portrét Idy Rubinstein“ (1910 . Státní ruské muzeum) – svým způsobem ztělesnil základní principy secesního stylu. Ale Serov měl k avantgardnímu uměleckému myšlení docela daleko. Secese, která dominovala malbě, a zejména divadelnímu a dekorativnímu umění umělců „World of Art“, měla také malou spojitost s avantgardním hnutím. Výjimkou byli jen někteří malíři a grafici (například M.V. Dobužinskij).
Na druhou stranu někteří mistři avantgardy, kteří svou cestu teprve začínali, při formování své kreativity využívali mnoha technik secesního stylu a vnímali zkušenosti, které se nashromáždily v procesu sbližování secese a Symbolismus. Secese a symbolika byly jako dvě strany téže mince a nemohly se bez sebe obejít. Avantgarda, pěstující metaforický a komplexní přístup ke skutečnosti, měla zájem na její rozhodující proměně, a proto hledala zdroj této transformativní kreativity v symbolismu. Symbolismus ve spojení s modernou byl tedy předmětem určité pozornosti v avantgardní malbě. To se projevilo například v mnoha raných dílech malířů a grafiků, kteří stáli na okraji avantgardy. Můžeme si vzpomenout na mystickým významem prodchnuté „Náčrty pro malbu freskami“ (1907. Ruské muzeum) K. S. Maleviče nebo jeho scény slavností, průvodů a zábavy, plné humoru, ale opačného ducha („Odpočinková společnost v cylindru .“ 1908. Ruské muzeum; „Svatba”. Kolem 1908. Ludwigovo muzeum. Kolín nad Rýnem; a další), díla plná tajemné sentimentality od I. V. Klyuna, např. „Portrét manželky” (1910. Státní muzeum umění a umění) nebo „Rodina“ (1911. Státní muzeum umění), rané krajiny V. D. Baranové-Rossine „Zelená zahrada“ (1907–1908. Soukromá sbírka), „Pohádkové jezero“ (1908. Soukromá sbírka) a mnoho dalších více.
Ale vztah mezi secesním stylem a avantgardou v oblasti malby je jen malou částí položené otázky. Mnohem důležitější jsou programy a projekty, které styl předkládá v procesu jeho vývoje, a ty obecné problémy kultury a umění, které nastolila moderna a které vyjádřilo mnoho teoretiků, kteří stanovili principy stylu. Tyto teorie, programy a projekty byly v mnoha případech převzaty a někdy opakovány avantgardou.
Jejich životodárný charakter je nápadný. Příkladem toho je praktická a teoretická práce Williama Morrise, jednoho z nejvlivnějších mistrů modernismu. Poté, co se v polovině 1860. století zformoval jako umělec, přítel a spojenec prerafaelitů, se proslavil vytvořením slavné společnosti „Morris and Company“, která v 1880. letech XNUMX. století prováděla různé zakázky na výrobu. předmětů užitého umění, nábytku a interiérového designu. V XNUMX. letech XNUMX. století vytvořil slavnou tiskárnu Kelmscott, která se stala základem rozkvětu anglické secesní tištěné grafiky. Není to ale jediný způsob, jak se Morris zapsal do dějin umělecké kultury. Zajímavé a důležité jsou jeho výroky o podstatě nového stylu a úkolech umělecké tvořivosti. Morris předložil myšlenku organizovat svět podle zákonů umění.
Předchůdce tohoto konceptu lze nalézt v myšlence estetické výchovy lidstva, kterou navrhl Friedrich Schiller sto let před Morrisem jako prostředek k dosažení harmonického řádu v jeho životě. Modernita však mnohonásobně znásobila utopické zrno Schillerova konceptu, čímž se umělecký princip stal základem světového řádu a nejdůležitějším prostředkem porozumění světu. V ruské avantgardě opakovaně vznikaly koncepty, podle nichž se principy určitého uměleckého systému ztotožňovaly buď se systémem existence kosmického světa, nebo s pomyslným řádem sociální struktury. Tato tendence se nejzřetelněji projevila v úvahách Maleviče, který prohlásil, že prakticky vynalezený a teoreticky formulovaný suprematismus odhaluje podstatu bytí. Malevič považoval město navržené podle zásad suprematismu (nejen postavené podle přísných pravidel umělecké teorie, ale také kompletně vyzdobené suprematistickou malbou) za nejvhodnější místo pro lidskou existenci. Utopické představy o úloze nového umění, nového stylu lze snadno odhalit v myšlenkách M. V. Matyushina, V. E. Tatlina, A. M. Rodčenka a dalších představitelů ruské avantgardy.
Živototvorná orientace moderny i avantgardy, která je v obecné perspektivě pohybu umělecké kultury vzájemně propojuje, je do jisté míry závislá na dalších důležitých rysech obou směrů. Secese a po ní avantgarda se v období svého utváření odlišovala od jiných směrů či stylů tím, co lze označit jako rázný původ. Samozřejmě, každý styl v okamžiku svého vzniku vyžaduje silnou vůli od umělců, kteří jej vytvářejí. Tyto snahy nejsou v rozporu s historickým a uměleckým pohybem stylu samotného, s těmi uměleckými objevy, které styl sám „hledá“. Ale v okamžicích zrodu modernismu a v pozdější době avantgardy, dobrovolného úsilí umělce-tvůrce, se jeho záměr vytvořit nový styl stává nejdůležitější podmínkou zrodu tohoto stylu.
S tímto dobrovolným úsilím je spojen další rys moderny a avantgardy, který je činí na sobě poněkud závislými. Spočívá v nutnosti objevovat nové kvality umění – nové techniky, nečekaná řešení, kompoziční, plastické, barevné kombinace. Přítomnost této kvality v avantgardním umění je nepochybná. Ale bylo to charakteristické i pro modernu a spojení moderny a avantgardy je v tomto ohledu zřejmé.
Touha umělců, sochařů, architektů, moderních i avantgardních designérů po osobním – vlastním – objevování se projevila v tom, že mnozí z nich zanechali „své stopy“ v dějinách umění. Příkladů takových „znaků“ lze uvést mnoho. Tanečnice Loie Fuller se proslavila svým slavným „hadím tancem“, jehož hlavním efektem byly splývavé šaty, které byly dvakrát větší než její postava. Tento tanec se stal znakem moderny v baletním umění a byl vzorem pro sochaře (Raoul Larche, Pierre Roche) a grafiky (Koloman Moser). Zvláštním znakem Charlese Rennieho Mackintoshe jsou jeho židle s extrémně vysokými nebo velmi krátkými opěradly. Ukázalo se, že znamením Victora Orty je jeho slavná „čára Orta“, které se obrazně říkalo „úder bičem“. Ruští avantgardní umělci měli také svá znamení – Malevičovo náměstí, Tatlinova věž, „Venuše“ od M. F. Larionova. Samozřejmě v dějinách umění najdeme četné příklady jedinečného kultu uměleckého objevování, jeho opakování a rozvíjení. Nedosáhli však takového stupně ikonické sebekoncentrace, jakou měli v obdobích moderny a avantgardy.
Mezi modernou a ruskou avantgardou lze najít i další paralely, i když ne tak výmluvné. Existuje například jistá podobnost mezi obnovenou modernistickou formou sdružení umělců v podobě cechů a takovým uměleckým svazem, jakým je Vitebsk Unovis. Vznikají analogie související s procesem sbližování umění s průmyslem a současnou opozicí stroje a uměleckého díla. Pokud v rané fázi jejich interakce technická struktura obdržela umělecké oblečení, pak v důsledku tohoto procesu technologie již diktovala styl. V tomto ohledu vývoj secesního stylu vyústil v Eiffelovu věž postavenou Gustavem Eiffelem na konci 1880. let XNUMX. století. V ruské avantgardě tento proces skončil s věží V.G.Šuchova.
Závěrem je třeba poznamenat význam obecných analogií, které nevznikly v důsledku specifického vlivu západních moderních mistrů na ruské avantgardní umělce, ale jako důsledek organického vstupu ruské umělecké kultury do globálního uměleckého procesu. .
Art Nouveau (francouzská moderna – novinka) je umělecký styl v umění, který vznikl na konci XNUMX. století a vládl až do začátku první světové války. Jeho charakteristickými znaky jsou dekorativnost, hladké linie a zaoblení tvarů, jejich pružnost a plynulost. Také v secesi najdete hojnost ornamentů a dekorací, pozornost k rostlinným a přírodním motivům a figurky budou ploché jako na plakátech a vitrážích.
Mezi náměty v secesi, stejně jako v symbolice, se používají alegorie a fantazie: dámy (i skutečné prototypy v portrétech) zosobňují bohyně a akce je jako dekorace nebo zamrzlá scéna divadelní hry založené na mýtech a legendách, romantická a mystické příběhy a fantazie . I drobné detaily maleb mají někdy hluboký význam: vzor pupenů je symbolem nového života.
Když mluvíme o secesi, vtipně a vážně si vzpomínám na poznámku Verochčiny sekretářky ve filmu „Office Romance“: „Vidíš tuhle, celou v vulgárních růžích? Typickou „moderní“ image je malátná kráska ve splývavém outfitu, propletená větvemi, květinami a vzory jako z keltské či řecké mytologie, s motivy renesance, gotiky, ale i japonského či egyptského stylu. Pamatujete si na obrazy Alfonse Muchy a Gustava Klimta? No, je to tak!
Jedinečnost secesního stylu spočívá v tom, že pokrývá celou sféru umění: od výtvarného a dekorativního umění až po architekturu. Lampy pod zelenými stínidly se stojanem v podobě panny v tunice, šperkařská mistrovská díla s Modrým ptákem v kadeřích, židle se zkroucenými opěradly, tváře na fasádách domů v zaoblené vazbě ornamentu. Být v mnoha Secese byla koncipována tvůrci specificky se záměrem učinit život v umění krásnějším než ve skutečnosti. Ano, a přiveďte každodenní život na úroveň nových standardů: střední třídě, spotřebiteli „sériově vyráběných“ produktů, které se objevily na trhu, dáte nikoli chaos eklekticismu, ale jednotný styl a harmonii. Navíc na „přírodní“ bázi!
Secese zahrnovala různé země téměř současně, nazývala se odlišně a reprezentovala jasné tvůrce: „Secession“ (Secessionsstil Austria, Gustav Klimt), „Tiffany“ (USA, L.K. Tiffany – ano, stejný tvůrce vzorovaných „vitráže“ „ stínidla) , “art nouveau” (art nouveau, Francie, Hector Guimard), “Jugendstil” (Jugendstil Německo, podle názvu časopisu narozeného v roce 1896, Franz von Stuck) “moderní styl” (moderní styl Anglie, Audrey Beardsley), ” liberty style“ (Itálie), „modernismo“ (Španělsko, Antonio Gaudi), „Nieuwe Kunst“ (Nizozemsko) a dokonce… „smrkový styl“ (styl sapin, Švýcarsko, Ferdinand Hodler).
Šíření modernismu do celého světa napomohl rozvoj masové výroby a tisku (položte na stůl časopis s obrázky ve stejném stylu), stejně jako tzv. „Světové výstavy“ po celém světě, které představovaly nové produktů a určoval nové trendy v oblasti vědy, života, kultury. Technologický pokrok v typografii a fotografii také přispěl k rozvoji modernismu s jeho „plochými“ obrazy. Modelky už nejsou potřeba, k rychlému namalování portrétu a následnému zveřejnění stačí fotografie: v reklamě, v časopisech, na letácích po celém světě.
Módní invaze
Termín “Secese” se poprvé objevil ve francouzském časopise “Modern Art” (“L’Art Moderne”) v roce 1881 – šlo o okruh umělců: A. Van de Velde, V. Horta, E. Grasse, E Guimara.
Obecně platí, že francouzská „umělecká“ secese má jasnou. japonskou stopu! Umělec a keramik F. Braquemont viděl jednou v roce 1856 v obchodě japonské barevné dřevotisky K. Hokusaie – byly určeny k balení balíčků čaje. Braquemont se svým nálezem pochlubil svým spolupracovníkům a upozornil na plasticitu čar. Zájem podpořilo otevření obchodu v Paříži německým antikvariátem S. Bingem s množstvím čínských a japonských gizmů a obrazů a samotné Japonsko v té době vyhlásilo konec éry ústraní a stalo se otevřenějším. A brzy ti, kterým běžně říkáme „impresionisté“, ovládli japonský styl. Edgar Degas, Paul Gauguin, Edouard Manet, Henri de Toulouse-Lautrec, Vincent Van Gogh přijali křivky, květinovou výzdobu a „ploché“ kontury. A když si vzpomeneme, že český umělec Alphonse Mucha ve stejné době studoval v Paříži a pro zajímavost, sdílel byt s Van Goghem, dějiny secese nabírají nový směr.
Ve Vídni ji provádí sdružení tvůrců „Secese“ s Gustavem Knimtem (od roku 1897), který odmítl akademické kánony a své výstavy uspořádal ve speciálně postavené secesní budově.
Anglie představila nový styl nakladatelství: v roce 1882 byl uspořádán „Cech století“, vydávající časopis „Konek“ s rytinami S. Image. V Americe koncem 1880. let XNUMX. století začal celosvětový pochod „gibsonských krás“: kresby Charlese Dana Gibsona, publikované v časopise Life, definovaly standardy nové moderní krásy.
V některých zemích je nový styl charakterizován nezávislými původními tvůrci: Antonio Gaudi ve Španělsku, Stanislav Wyspianski v Polsku, Tiffany v Americe (a celému stylu se tam někdy říká „Tiffany“).
